Sesión Doble

Hellboy (Neil Marshall, 2019)

En 2014, seis años después de Hellboy: El ejercito dorado (Guillermo Del Toro, 2008), el creador del personaje, Mike Mignola comenzó a trabajar con el escritor Andrew Cosby en la historia para una nueva película. El proyecto fue pensado inicialmente como una secuela de las películas de Del Toro e incluso se le pidió a este que produjese la nueva entrega, pero Del Toro declino la oferta ya que deseaba dirigir su propio guion para Hellboy III, tras la negativa del director Mexicano, Ron Perlman hizo lo propio y se bajo del barco. Tras este pasaje se decidió seguir adelante sin ellos y el elegido para dirigir la nueva entrega fue Neil Marshall, director de las (para mí) interesantes Dog Soldiers (2002), The Descent (2005), Doomsday (2008) y Centurión (2010). Con la contratación de Marshall se decidió que nada de secuelas, se apostaría por un reinicio de la saga en toda regla, lo que propicio su cambio de nombre, primero tenían pensado llamarla Hellboy: The Blood Queen, pero tras decidir que sería un reboot se quedo en Hellboy y todos tan contentos.
La película se rodo prácticamente entera en Sofia (Bulgaria) exceptuando el clímax final rodado en la catedral de Wells, Somerset (Inglaterra), fue producida a pachas entre Summit Entertainment y Millennium Films y conto con un presupuesto de 50 millones de dólares recaudando a día de hoy (julio de 2019) unos 40 a nivel mundial. Vamos, que si tenían pensado hacer una secuela de este reinicio creo que la llevan clara.
Está protagonizada en sus papeles principales por David Harbour –Quantum Of Solace (Marc Forster, 2008), The Green Hornet (Michel Gondry, 2011), The Equalizer (Antoine Fuqua, 2014) o el televisivo Jim Hopper de Stranger Things-, Ian McShane – Deadwood (2004/2006), Piratas del Caribe: En mareas misteriosas (Rob Marshall, 2011), John Wick (Chad Stahelski y David Leitch, 2014), Milla Jovovich (que según ella su participación en la película se debe única y exclusivamente a su pasión por las televisivas Stranger Things y Deadwood, en las que participaron sus partenaires Harbour y McShane) – El quinto elemento (Luc Besson, 1997), Resident Evil (Paul W.S. Anderson, 2002), Los tres Mosqueteros (Paul W.S. Anderson, 2011), Sasha Lane – American honey (Andrea Arnold, 2016), Ritmos del corazón (Brett Haley, 2018) y Daniel Dae Kim – Perdidos (2004/2010), La caverna maldita (Bruce Hunt, 2005), La serie Divergente: Insurgente (Robert Schwentke, 2015). Este último, Daniel Dae Kim, logro hacerse con el papel tras la renuncia de Ed Skrein, que era el elegido para interpretar a Ben Daimio, pero tras el aluvión de críticas por el blanqueamiento del personaje (en los comics es Japonés-Americano) decidió bajarse del barco, lo que propició que el papel finalmente recayese en Kim. Estaba previsto que Doug Jones hiciese un cameo como Abe Sapien, pero por problemas de agenda debido al rodaje de la televisiva Star Trek: Discovery no fue posible.
El primer Hellboy me gusto bastante, el segundo ya me pareció un poco coñazo y este tercero me ha dejado totalmente indiferente y por momentos (bastantes) me ha aburrido soberanamente. Tiene un guion chapucero que no me ha interesado lo mas mínimo, el personaje de Milla Jovovich se limita a poner caras de mala pero solo consigue que me fije en su escote y el resto de la película me ha parecido muy trillada y todo el rollo de que Hellboy sea descendiente de Arturo y que sea el elegido para empuñar la legendaria Excalibur me ha parecido que sobraba y no venía a cuento (supongo que esto vendrá del comic, pero ni por esas). Al final lo único que me ha gustado ha sido el propio Hellboy y la interpretación de David Habrour, que por lo menos se lo curra dentro de todo este basurero sin gracia, ni épica, ni ningún tipo de desarrollo mínimamente decente. Según Mignola (que se involucro mas en este Hellboy que en los de Del Toro) quería darle un toque más terrorífico alejándolo del tono fantástico y superheroico de las anteriores películas, pero de terrorífico solo tiene la cara de Hellboy que tras verla por primera vez casi me da un sincope de lo feo que es el hijoputa, por lo demás ni terror ni hostias.
La película adapta los comics “The wild hunt” y “The storm and the fury” y nos presenta a un Hellboy que tras perder a un compañero de curro durante una misión empieza a tener serias dudas sobre su papel en todo este percal en el que anda metido, así que se emborracha día si y día también hasta que hace acto de presencia una profecía sobre una bruja (Milla Jovovich) que lleva décadas en el ostracismo bajo un hechizo de Merlín tras ser derrotada por Arturo con su espada Excalibur y que ahora gracias a unos demonios (o algo así) vuelve de su letargo para traer el apocalipsis a la Tierra. Como es sabido, Hellboy, tras dejar atrás sus borracheras se enfrentara a ella con la ayuda de Alice (Sasha Lane), Ben Daimio (Daniel Dae Kim) y su padre el profesor Broom (Ian McShane) mientras suelta chascarrillos y se caga en los humanos y los demonios. 4/10

Hai Phuong (Le Van Kiet, 2019)

Netflix prosigue en su afán por agenciarse todo el resurgir de las artes marciales de la lejana Asia y ahora nos trae (esto hay que agradecérselo, ya que de otra manera seria prácticamente imposible darles un vistazo) esta Hai Phuong, también conocida como “Furie” en el mercado internacional. Estamos ante una producción Vietnamita dirigida, con bastante pericia, todo sea dicho, por Le-Van Kiet, director de entre otras de Dust of Life (2006), Diu Dang (2014) o The Rich Woman (2016) ¿Las has visto? Yo tampoco, pero quedaba bien ponerlo aquí, e interpretada por Ngo Thanh Van (también conocida por Veronica Ngo). La película nos presenta a la Hai Phuong del título, una mujer que tras abandonar a su familia y unirse a un clan mafioso se quedo embarazada y decidió abandonarlos a estos también para no darle una mala vida a su recién nacida hija Mai (Cat Vy). Ahora han pasado diez años y Hai y su hija Mai viven en un pequeño pueblo aislado del mundanal ruido. Hai trabaja recaudando deudas para una mafiosilla local mientras sus remordimientos y mala conciencia por su pasado y por la vida que le está dando a su hija le carcomen por dentro ya que debido a su trabajo su hija es víctima de bullying en la escuela y quiere dejar los estudios para junto a su madre montar una granja de peces y vivir dignamente. Hai pasa un poco del tema hasta que cierto día mientras están de compras en el mercado local su hija es secuestrada por unos maleantes con la intención de ser vendida o extirparle los órganos para venderlos en el mercado negro. A partir de ese momento la tigresa que lleva dentro Hai saldrá a la luz y emprenderá una frenética carrera contra reloj para recuperar a su hija.
La película tira mas por el thriller que por la acción pura y dura, pero eso sí, cuando hay tollinas, las hay de las buenas gracias a sus buenas (y entendibles visualmente) coreografías y al buen hacer de Ngo Thanh Van, que se desenvuelve a las mil maravillas en las artes marciales. A ese punto a favor debemos sumarle una gran fotografía marcadamente diferenciada entre la primera parte de la película donde se nos muestran colores verdes a tutiplén y la segunda parte en la ciudad, donde tiran más de neones y oscuridad. La pega que le podría poner a la película es su guion, demasiado sencillito y facilón y que no se sale de los canones establecidos en el cine de secuestros, demasiado ir de aquí para allí y mucho tiempo perdido para lo que propone el film, si se hubiesen centrado más en la acción pura y sin complejos creo que le hubiese venido de maravilla, pero es lo que hay. Aun así, se deja ver, entretiene lo suyo y Ngo Thanh Van borda su papel, tanto en la parte dramática, como en la física. Habrá que seguirle la pista a esta mujer de cerca, muy cerca. 5/10

Sesión Doble

Alita: Battle Angel (Robert Rodríguez, 2019)

Película dirigida por el adicto a las enchiladas Robert Rodríguez, basada en el famoso manga GUNNM de Yukito Kishiro, protagonizada en sus principales papeles por Rosa Salazar, Christoph Waltz, Jennifer Connelly, Mahershala Ali, Keean Johnson, Ed Skrein, Jackie Earle Haley, Edward Norton, Michelle Rodríguez y Jeff Fahey. Su guion corre a cargo del propio Rodríguez junto a Laeta Karogridis y James Cameron y su banda sonora pertenece a Junkie XL. La película tuvo un presupuesto de 170 millones y recaudo ha recaudado a nivel mundial a día de hoy unos 400 aproximadamente.
En el año 2563, una catastrófica guerra (llegada a conocerse como "La Caída") ha devastado a la Tierra. Mientras explora los depósitos de chatarra de la Ciudad de Hierro, destruida por la guerra, el Dr. Dyson Ido (Waltz) encuentra el cuerpo (casi destruido pero con un cerebro intacto) de una joven cyborg (Salazar). Ido, que es ingeniero médico-cibernético de profesión, reconstruye y reanima a la cyborg. Ella no se reconoce a sí misma ni recuerda nada de su pasado, por lo que Ido decide nombrarla "Alita" (en honor de su hija ya fallecida). Así arranca esta historia ciberpunk en la que la joven Alita deberá aprender a conocerse a sí misma y a su entorno mientras intenta recordar quién es realmente y todo ello mientras un misterioso y poderoso personaje llamado Nova, mandamás de la única ciudad cielo que queda en pie tras la guerra va tras ella con oscuras intenciones.
Por la enfermiza mente de James Cameron rondaba este proyecto desde hacía años, pero debido a su encarnizada con las secuelas de Avatar tuvo que ceder el testigo a su coleguita Rodríguez y viendo el resultado final fue una pésima idea. A los 10 minutos de película ya me olía a blockbuster del montón, truñero y sin pasión. Se podrá decir que visualmente es muy buena y blablablá, pero lo cierto es que tanto CGI a mi me saca de la película, no hay originalidad detrás de los efectos especiales y todo huele a croma de principio a fin. Lo que con Cameron podría haber sido una apasionante historia ciberpunk, Rodríguez lo convierte en una película de acción hueca y sin alma. En cuanto al guion más de lo mismo, se queda todo en la superficie, sin profundizar aunque sea un poco en el personaje principal, aunque con ese final coitus interruptus que amenaza secuela quien sabe si ahondaran más en la futura segunda parte (si es que la hay). El diseño de producción es muy vistoso pero la sensación de ver algo irreal es constante en pantalla, algo parecido a las precuelas de Star Wars, mucho brilli brilli pero poca sustancia, todo muy falso, al igual que los ciborgs que salen en pantalla. Exceptuando a la propia Alita (casi, casi, logran que me encariñe de ella), que se nota cierto interés en su diseño todos los demás son demasiado falsos y la sensación de estar viendo un videojuego más que una película es constante. Y de los personajes “reales” mejor ni hablar, tanto Christoph Waltz (¿este hombre ha hecho algo bueno mas allá de Malditos Bastardos?) como Jennifer Connelly tienen tan poco papel y con tan poca enjundia que están ahí para dar fuste, llevárselo calentito y poco más. Bueno, Jennifer Connely sale con un picardías en la cama, algo es algo. En resumen, mucho ruido y pocas nueces para una historia que podría haber dado mucho más de si habiéndosela tomado más en serio y no solo pensando en las tollinas y la taquilla. 3/10

All About Nina (Eva Vives, 2018)

Comedia dramática independiente dirigida y escrita por la debutante Eva Vives, producida por Diablo Entertainment, Malibu Films y Candela Films e interpretada en sus principales papeles por Mary Elizabeth Winstead, Common, Kate del Castillo, Chance Crawford, Beau Bridges, Clea DuVall, Jay Mohr y Camryn Manheim.
La trama nos presenta a Nina Geld (Mary Elizabeth Winstead), una cómica de Nueva York con la lengua afilada y propensa a buscarse problemas de todo tipo y particularmente emocionales que tras una relación bastante toxica con un hombre casado decide romper con todo y mudarse a Los Ángeles para intentar conseguir una audición en “Comedy Prime” e intentar triunfar en el mundo del Stand-up. Pero en Los Ángeles conocerá a Rafe (Common), un contratista con el que empezara una relación que le hará enfrentarse cara a cara a todas sus creencias y traumas del pasado.
A ver, vaya por delante que siento un profundo amor platónico por Mary Elizabeth Winstead desde hace años así que todo lo que ella hace me gusta. Dicho esto, creía que iba a encontrarme con una película más centrada en la comedia y el mundo del Stand-up pero resulta que es mucho más dramática que cómica la dichosa película y pese a que se regodea demasiado (para mi gusto) en el drama me ha ido ganando minuto a minuto, básicamente, eso sí, por la potente interpretación (me da igual no ser objetivo) de Winstead, que funciona a las mil maravillas en los momentos más dramáticos del film (esa revelación final), como en los mas cómicos en los que borda sus monólogos frente al micro. Interesante. 6/10

Sesión Doble

What´s Love Got To Do With It (Brian Gibson, 1993)

Entretenido biopic dirigido por Brian Gibson -director de la interesante Coacción a un jurado (1996)- con guion adaptado por Katie Laner basado en la autobiografía “I, Tina” de Tina Turner y Kurt Loder, fotografía a cargo de Jamie Anderson y una banda sonora compuesta por Stanley Clarke. La película, producida por Touchstone Pictures, se rodo entre México, El paso (Texas), Los Ángeles (California), Chicago (Illinois), Londres, Nueva York, Saint Louis (Missouri) y Nutbush (Tennessee), conto con un presupuesto de 15 millones de dólares y recaudo unos 40 en los Estados Unidos. Está protagonizada en sus papeles principales por Angela Bassett (Que quiso conocer en persona a Tina Turner para que supiese quien iba a interpretarla y la cual nada más verla exclamo ¡Es perfecta!), en un papel para el que se presentaron entre otras Halle Berry, Robin Givens, Pam Grier, Vanessa Williams, Janet Jackson y Whitney Houston (que estuvo a punto de agenciárselo pero que por estar en esos momentos embarazada tuvo que renunciar) y por Laurence Fishburne, que rechazo el papel hasta en cinco ocasiones y que solo acepto cuando supo que Angela Bassett sería su partenaire.
La película nos cuenta los inicios de Anna Mae Bullock (nombre real de Tina) en su Nutbush natal pasando por su “descubrimiento” por parte de Ike Turner (reputado músico y compositor en esos momentos) y su unión profesional y personal que le traerían a Tina tanto éxitos en el plano musical como tragedias en el personal hasta su separación y el posterior lanzamiento de su carreara en solitario con el hit “What´s love got to do whit it”.
A ver, la película es entretenida pero a rasgos generales se me ha quedado un poco corta en cuanto a dramatismo y por momentos me ha parecido algo naif (según Tina a ella le hubiese gustado que la película contase con mas momentos dramáticos pero los productores no quisieron arriesgarse ya que pensaron que el público no se creería tanta tragedia junta). mas que un biopic sobre Tina Turner, es un biopic sobre Ike y Tina ya que se centra totalmente en la turbulenta relación entre los dos y los continuos maltratos (algunos de los que salen en la película los negó en propio Ike Turner en su autobiografía “Taking back my name”) a los que se vio sometida por su celoso y posesivo marido, dejando de lado el posterior éxito de Tina en solitario. Pero aun así la película vale la pena, es muy noventera, pero vale la pena, sobre todo gracias a una buena ambientación y vestuario, unas potentes canciones (regrabadas por la propia Turner para la película) y por encima de todo las interpretaciones de un gran Laurence Fishburne (nominado al Oscar ese año) y el cual canta todas sus partes musicales de la película y por una deslumbrante Angela Bassett (también nominada al Oscar) que en los números musicales se mete en la piel de Tina Turner y parece que sea ella logrando una imitación física en cuanto a imagen, gesticulaciones y movimientos perfecta. En fin, que la película esta guapa, tiene buenas interpretaciones y temazos musicales y pese a que en algunos momentos el tufillo a telefilm apeste un poquito, vale la pena verla por conocer un poco más los inicios de Tina y su carrera hacia el éxito. 6/10

Vampire In Brooklyn (Wes Craven, 1995)

Maximillian (Eddie Murphy) es el ultimo de un largo linaje de vampiros descendientes de Nosferatu que tras quedarse solo y viendo que un vampiro solitario es carne de cañón decide emprender un viaje hacia Brooklyn (Nueva York) para buscar a una mujer, Rita Veder (Angela Bassett), que aunque ella no lo sabe es medio humana, medio vampira, para convertirla en su compañera para el resto de la eternidad.
Intento descafeinado de hacer una comedia de terror por parte de un Wes Craven que venía un año antes de rematar sus saga de Freddy Krueger con La nueva pesadilla de Wes Craven (1994) y que lo petaría un año después con Scream: vigila quien llama (1996), pero que con esta Vampire in Brooklyn se quedo a medio gas.
La película fue rodada entre Brooklyn y los estudios de la Paramount Pictures en Los Ángeles, tuvo un presupuesto de 20 millones de dólares y pese a petarlo en su estreno durante las fiestas de Halloween, su recaudación a nivel mundial tan solo ascendió hasta los 28 millones de dólares, convirtiéndose en un fracaso como la copa de un pino y en uno de los últimos clavos sobre el ataúd de Eddie Murphy que ya venía añadiendo clavos desde hacía unos años con ramplonerías como Su distinguida señoría (Jonathan Lynn, 1992), Boomerang (Reginald Hudlin, 1992) o Superdetective en Hollywood 3 (John Landis, 1994) y que salvo honrosas excepciones como El negociador (Thomas Carter, 1997), Bowfinger: el pícaro (Frank Oz, 1999) o Shrek (Andrew Adamson, Vicky Jenson, 2001) hicieron que perdiera mi fe en uno de los actores que mas horas de disfrute me había dado en mi cinéfila vida.
Por lo visto Eddie Murphy no tenía muchas ganas de rodar esta película, pero tenía un contrato exclusivo con la Paramount (contrato que incluyó Limite 48 Horas o Superdetective en Hollywood) y acepto rematar dicho contrato a cambio de que Paramount liberase los derechos de El profesor chiflado y así Murphy poderse hacer con el ansiado por el papel en el remake del clásico de Jerry Lewis. La película está basada en un argumento del propio Murphy y escrita por tres novatos en el tema, hecho que explica lo hueco del guion que partiendo de una interesante premisa se queda en nada, un conjunto de escenas presuntamente cómicas y otras ligeramente “terroríficas” que ni aportan nada ni van a ningún sitio y es que este intento de homenaje al Blaxploitation y al cine de terror clásico se queda a medio gas en todos sus frentes; de cine de terror clásico solo tiene la ambientación nocturna y la profusión de humos y nieblas y de Blaxploitation, salta a la vista, todo el reparto principal está compuesto por negros. A mí, como película de terror no me funciona nada (mas allá de cierta atmosfera) y como comedia tan solo me funcionan el dúo secundario formado por Kadeem Hardison y John Witherspoon, que interpretan a dos completos tarados que no paran de soltar chistes malos, improperios, rajadas e insultos cada vez que aparecen en pantalla. Por lo demás, la interpretación de Eddie Murphy no está mal, pero no me dice nada. En su momento, cuando vi la película de estreno tampoco me gusto, este no era el Murphy que a mí me gustaba y viéndola ahora me ha pasado lo mismo, me gusta más el Murphy que interpreta otros papeles en la película (el predicador o Guido) que cuando interpreta al vampiro protagonista. Así que aparte de quedarme con Hardison y Witherspoon, me quedo con la maravillosa Angela Bassett, que, esta sí, me sigue gustando como cuando vi el estreno allá por el lejano 1995. 4/10

Sesión Doble

On The Waterfront (Elia Kazan, 1954)

Película norteamericana del año 1954 dirigida por el director griego-estadounidense Elia Kazan -Un tranvía llamado deseo (1951), Esplendor en la hierba (1961)-, escrita por Budd Schulberg y protagonizada en sus papeles principales por Marlon Brando, Eva Marie Saint, Karl Malden, Lee J. Cobb, Rod Steiger y Pat Henning. La película está considerada una de las mejores obras de Elia Kazan, ha sido incluida frecuentemente entre las mejores películas Americanas además de ser preservada en el archivo de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos y en su día fue galardonada con ocho Oscars de la academia; Mejor Película, Mejor Director (Elia Kazan), Mejor Actor (Marlon Brando), Mejor Actriz de Reparto (Eva Marie Saint), Mejor Guion original (Budd Schulberg), Mejor Montaje (Gene Milford), Mejor Dirección Artística (Richard Day) y Mejor Fotografía (Boris Kaufman), además de ser nominada también a Mejor Actor de Reparto (Karl Malden, Rod Steiger y Lee J. Cobb) y Mejor Banda Sonora (Leonard Bernstein). Tuvo un presupuesto de casi un millón de dólares y recaudo 10 millones convirtiéndose en un éxito de taquilla y critica.
Bueno, hacia siglos que no veía esta peli, tan solo recordaba la presencia de Brando así que era hora de volver a ella y tras verla de nuevo solo puedo decir que es un jodido peliculón. La trama nos presenta a Terry Malloy (Marlon Brando) un joven a punto de entrar en la treintena que tuvo su momento de gloria como boxeador pero su carrera se fue a pique tras caer abatido por un contrincante. Ahora, Terry trabaja en los muelles de Nueva York como estibador, trabajo que le consiguió su hermano Charley (Rod Steiger), mano derecha de Johnny Friendly (Lee J. Cobb), mafioso local que controla el sindicato y los muelles. Cierto día Terry es utilizado para matar indirectamente a un trabajador que harto de la mafia portuaria iba a declarar en un juicio contra ellos. Tras su muerte, Terry conoce a Edie Doyle (Eva Marie Saint), hermana del fallecido, hecho que le lleva a enamorarse poco a poco de ella y a empezar un profundo cambio que lo lleva a arrepentirse de su vida pasada. Poco a poco se irá dando cuenta gracias a Edie y a la ayuda y perseverancia del párroco local Barry (Karl Malden) de lo nocivo que es para los trabajadores del muelle y la gente de Nueva York la presencia de la mafia en el, así que Terry decidirá romper el pacto de silencio de los mafiosos para declarar como testigo del asesinato y poner entre rejas a Friendly, para ello tendrá que enfrentarse además con su hermano Charley, que no ve con buenos ojos que Terry testifique y lo tomen por una rata.
Hay gente que ve en esta película una especie de apología de la delación en la que Kazan se estaría curando en salud tras su patética actitud durante el maccarthysmo (si no sabes lo que es, date un voltio por google que yo paso de explicarlo) pero como esto es un blog de cine (entendido como entretenimiento) solo me voy a centrar en la película en si como experiencia visual y sensitiva que para politiqueo ya esta Ferreras con sus movimientos eólicos de manos y como película en si a mí me parece una obra imprescindible con un Marlon Brando currándose una interpretación forjada en hierro y fuego candente y un guion solido y pétreo que te va metiendo de lleno tanto en la historia de los muelles y los estibadores de Nueva York como en el cambio que se produce en la mente del personaje de Brando. Un clasicazo en toda regla. 8/10

Pet Sematary (Dennis Widmyer y Kevin Kölsch, 2019)

Rutinario e insulso remake de la película de mismo nombre de 1989 y basada a su vez en el libro homónimo de Stephen King (según el propio King, la única de sus adaptaciones que le ha aterrorizado) dirigido a cuatro manos por Kevin Kölsch y Dennis Widmyer, con guion de Dave Kajganich y Jeff Buhler, una banda sonora compuesta por Christopher Young, que ya compuso otra adaptación de King, La mitad oscura (George A. Romero, 1993), producida por Paramount Pictures junto a Alphaville Films, Di Bonaventura Pictures y Room 101, fue rodada entre Montreal y Saint-Lazare (Canadá) desde el 18 de junio de 2018 hasta el 11 de agosto de ese mismo año y conto con un presupuesto de 21 millones de dólares recaudando a día de hoy (julio de 2019) unos 112 a nivel mundial por lo que podemos vaticinar que seguramente habrá secuela.
La película está interpretada en sus principales papeles por Jason Clarke (La noche más oscura, Terminator: Génesis, Everest), John Lithgow (Máximo riesgo, The Crown, El origen del planeta de los simios), Amy Seimetz (Tu eres el siguiente, Upstream color, Alíen: Covenant) y Jeté Laurence (The Americans, Damsel, Sneaky Pete).
El doctor Louis Creed (Clarke) se muda con su mujer Rachel (Seimetz) y sus dos hijos pequeños de Boston a un pueblecito de Maine para vivir una vida más tranquila y poder pasar más tiempo en familia. Todo va a las mil maravillas hasta que un día el gato de la familia (Church) aparece atropellado en medio de la carretera. Para no crearle un trauma a la pequeña Ellie (Jeté Laurence), el vecino de los Creed, Jud (John Lithgow) decide enseñarle a Louis un cementerio que hay escondido dentro del bosque del cual dice el folklore local que quien sea enterrado allí, volverá a la vida. Dicho y hecho, ante el asombro de Louis el gato revive y vuelve a sus vidas, pero no es oro todo lo que reluce y a partir de ahí se desencadenara una tormenta sobre los Creed que acabara con la armonía familiar.
La verdad es que no tenía ninguna esperanza puesta en este innecesario remake, pero aun así decidí darle un tiento y la experiencia ha sido desoladora. Me ha parecido un autentico coñazo en el que apenas pasa nada hasta su último tercio con lo que el aburrimiento se ha extendido durante casi ochenta minutos de metraje gracias a una dirección convencional y con el piloto automático puesto. El supuesto descenso a la locura del padre de familia ni esta ni se le espera, las motivaciones de los personajes principales o del porque de ese cementerio son de chichinabo, el guion no profundiza en nada y para colmo de terror no tiene nada esta película que esta cargadita de clichés, lugares comunes y las típicas y deleznables subidas de volumen para intentar acojonar al personal (¿Qué pasa un camión? Pues subimos el volumen, ¿Qué se cierra una puerta? Más de lo mismo), si a eso le sumamos un final estúpido y ridículo tenemos como resultado una aburrida basurilla que ni siquiera llega a entretener y en la que lo único digno de mención es la presencia de los solventes Clarke y Lithgow. 2/10

Sesión Doble

Altered States (Ken Russell, 1980)

Película de 1980 dirigida por Ken Russell (según el propio Russell tras la negativa de 26 directores a rodar la película) y basada en una novela de Paddy Chayefsy (que a la vez estaba basada en el trabajo del neurocientífico John Cunningham Lilly, creador del tanque de aislamiento sensorial y pionero en el uso de drogas en dicho tanque), que por cierto se llevaron a matar durante el rodaje, lo que dio pie a que Chayefsy saliese acreditado con uno de sus seudónimos como guionista ya que además de las continuas broncas con Russell y las borracheras e ingestas de hongos alucinógenos (para saber mejor de que iba el guion, según él) de este durante el rodaje, no estaba nada conforme con los cambios que Russell hizo en el guion respecto a la novela. La película tuvo un presupuesto de unos 15 millones de dólares (hecho que hizo que Columbia Pictures abandonase el proyecto debido al elevado coste y se hiciese con ella Warner Bros) y su recaudación en los Estados Unidos fue de unos 19. Fue rodada entre México, Nueva York, Boston y los estudios de la Warner en Burbank (California), supuso el debut en pantalla grande tanto de William Hurt como de Drew Barrymore, fue una de las primeras películas de la historia en utilizar el CGI y fue incluida en el Top 10 de películas de 1980 por la revista Time.
Eddie Jessup (William Hurt) es un científico de Harvard que junto a su colega Arthur Rosenberg (Bob Balaban) investigan los estados de consciencia alterados ya que creen que mediante dichos estados se puede llegar a descifrar las grandes verdades de la vida y el universo, para ello utilizan un tanque de aislamiento sensorial (tanque que según la actriz Blair Brown probaron los actores, provocando la indiferencia en unos y alucinaciones en otros, como el caso del propio Hurt), pero no da los resultados deseados y Jessup, que está totalmente obsesionado con su trabajo hasta el punto de perder a su familia por ello, decide además de meterse en el susodicho tanque, hacerlo hasta arriba de unas drogas alucinógenas que le dio un chaman en México. Así arranca este viaje alucinante en el que el doctor Jessup se irá adentrando mas y mas hasta tener una regresión genética que lo llevara a convertirse en un homínido prehistórico y de ahí a una espiral de terror autodestructiva de la que solo podrá escapar mediante el amor de su ex mujer Emily (Blair Brown).
A ver, la película tiene un arranque jodidamente interesante y cautivador gracias a una atmosfera y una premisa muy potentes, pero a medida que van pasando los minutos a mí se me va cayendo poco a poco, está plagada de diálogos pretendidamente transcendentales pero que no hacen avanzar la trama y al final no sabes que te quieren contar (o no sabe el guionista) mas allá de la ida de olla del protagonista ¿se convierte en un monstruo genéticamente mutado? ¿Desciende a los infiernos? ¿Va al inicio del universo? O ¿simplemente va mas drogado que Maradona un jueves cualquiera? Creo que el guion se queda a medio camino y a partir de la mitad del metraje no sabe cómo seguir hacia adelante o simplemente no sabían cómo cojones salir de este embrollo mental y paranoide. Aun así, la película se deja ver (exceptuando el tramo del homínido, que es un poco coñazo) gracias a su turbia atmosfera y a la potente interpretación de William Hurt. No creo que sea una película a la que vuela a menudo, pero como primer visionado tiene su interés y cierto encanto. 6/10

Pumpkinhead (Stan Winston, 1988)

Mediocre debut como director del mago de los efectos especiales (Aliens, Terminator, Jurassic Park) Stan Winston, en el que nos presenta una película basada en un poema de Ed Justin que viene a ser tal que así; “Mantente alejado de Pumpkinhead, a menos que estés cansado de vivir, la mayoría de sus enemigos están muertos, el es malo e implacable, las puertas y ventanas con cerrojos están cerradas, los perros guardianes merodean por el patio, no te protegerán en tu cama, nada lo hará, de Pumpkinhead”. Pues bien, el tal Pumpkinhead (Cabeza de calabaza) es un demonio al que recurre el personaje de Lance Henriksen (Ed Harley) después de que unos chavales maten accidentalmente a su hijo al atropellarlo con una moto de cross. La leyenda del pueblo donde malvive Harley con su hijo dice que en lo profundo del bosque vive una anciana que practica la magia, así que este, tras el fatídico accidente decide ir a verla para que con sus poderes resucite a su hijo, pero esta le comunica que ella no puede revivir a los muertos, pero que sabe como traer del infierno a un demonio que se vengara de los asesinos de su hijo, eso si, Harley deberá hacer un pacto de sangre y entregar su alma a Pumpkinhead.
Hasta aquí la trama de esta, como decía antes, mediocre película rodada entre Los Ángeles y Topanga (California) y dirigida torpemente por Stan Winston (Luego vino GnomoCop, ejem, ejem…) que tuvo un presupuesto de unos tres millones de dólares y recaudando unos cuatro, con lo que la productora De Laurentiis Entertainment Group debió perder al menos un millón si descontamos de esos cuatro recaudados la mitad más o menos que se llevan los exhibidores. Pese a lo cual la cinta acabo teniendo cierto culto en el mercado del video llegando a rodarse 3 continuaciones; Pacto de sangre: La maldición de la bruja (1993) que fue directa a video, Pumpkinhead: Ashes to ashes (2006), traducida aquí como La venganza del infierno (esta estrenada directamente en la tele) y Pumpkinhead 4: Blood feud (2007), renombrada por estos lares como La cólera del infierno y emitida, como no, también directamente en televisión.
La premisa de la película no está mal, pero hubiese lucido mas como episodio de El guardián de la cripta, Cuentos asombrosos o cualquier antología de terror emitida por televisión y con una duración que no fuese mas allá de los 45 minutos porque los 80 minutos que dura esta basurilla se hacen condenadamente eternos, tarda horas en meterse en harina y cuando lo hace, mas allá del diseño del monstruo (que tampoco es que sea gran cosa viniendo de Alíen) no hay quien la soporte, es un sinsentido tras otro lleno de diálogos infumables, actuaciones lamentables (exceptuando a Lance Henriksen) y situaciones cutre salchicheras que no dan ni para reírse de lo malas y absurdas que son.
En fin, que yo me esperaba mucho más y me ha parecido un coñazo insoportable solo recomendable para los muy cafeteros del cine de terror. Lo único decente de esta película es la presencia del mítico Lance Henriksen y la alegría visual que proporciona la bella anatomía de Kimberly Ross.
Y, para acabar, un par de frikadas; Este fue el debut cinematográfico de Mayim Bialik, más conocida como Blossom, de la serie homónima y el perro de la familia Hartley, llamado Mushroom, es el mismo que aparece en el clásico Gremlins (Joe Dante, 1984). 1/10

Sesión Doble

Проверка на дорогах (Alexsey German, 1971)

Una autentica gozada de película, con un guion de hierro y una trama sobre las segundas oportunidades y los laberintos morales ambientada en el frente oriental durante la II Guerra Mundial que te deja sin aliento gracias a su contundencia y su magnética y gélida fotografía. Un jodido dramón con un clímax bélico de los que perduran en la memoria. Peliculón. 9/10

Rust Creek (Jen McGowan, 2018)

Otra más para la colección de survivals donde una joven universitaria se pierde por un bosque durante un viaje en coche y es acosada por un par de paletos montañeses.
Es de agradecer que pese a su inicio lleno de clichés intente dar un giro en su narrativa a media película, pero el ritmo decae tanto que el bajón es inevitable, además carece de tensión y mezcla demasiadas mierdas para lo que pretende contar; el acoso por parte de los dos tuercebotas, el narcotráfico, el sheriff corrupto, el cocinero de metanfetamina con delirios filosóficos, etc.…
En fin, que se deja ver, pero más que nada por la presencia de Herminone Corfield. 4/10

Sesión Doble

Sangailés Vasara (Alanté Kavaité, 2015)

Interesante película Lituana sobra la iniciación, tanto sexual como de personalidad, de una adolescente de 17 años durante unas vacaciones de verano. Quizás es demasiado simplona, poética y superficial al abordar los temas que trata, pero aun así, se deja ver con agrado, sobre todo gracias a su dúo protagonista, unas Julija Steponaityte y Aiste Dirziute naturales, frescas y sensuales y a la estupenda fotografía de Dominique Colin. 5/10

Serenity (Steven Knight, 2019)

Una pequeña isla, un bucólico pueblo costero, una cojonuda ambientación caribeña, mares azules, playas paradisiacas, un protagonista atormentado por su pasado, una femme fatale, un villano al que ajusticiar… La película tenía todos los elementos para ser un neo noir de putisima madre, pero a la mitad se va todo al garete por culpa de un guion que se va de madre y se convierte en una especie de show de Truman + Matrix en el que lo único interesante es la actuación de un Matthew McConaughey que vuelve a sus orígenes, a cuando lucia bronceado y ojos azules en series B de mucho encanto. 4/10

Sesión Doble

Attack The Block (Joe Cornish, 2011)

Está entretenida, bien rodada y tiene un buen diseño de producción, pero el guion se me queda algo corto y para estar tan influenciada por el cine juvenil ochentero le falta mucha de la magia que tenia aquel, así como chispa y cierta garra. Pero bueno, se deja ver y John Boyega y Jodie Whitaker cumplen con su papel. 4/10

Eating Raoul (Paul Bartel, 1982)

Su arranque me ha parecido maravilloso, con ese matrimonio tan sui generis formado por Paul Bartel y la sensual –y de piernas kilométricas- Mary Woronov intentando realizar su sueño de tener un restaurante mientras todo a su alrededor conspira contra ellos hasta que deciden hacer un bien a la sociedad eliminando a indeseables y de paso robarles para conseguir el dinero para abrir el dichoso negocio. Cierto es que a partir del planteamiento de la película el asunto se viene un poco abajo y se torna repetitivo, pero aun así tiene momentos muy interesantes (el momento “cama” y sus correspondientes peluches, la muerte múltiple de la piscina, los encuentros con los “pervertidos”), que junto a su humor negro y ese toque tan especial que le da ser una película de bajo presupuesto –de Serie B, vamos- hacen de ella una película altamente disfrutable y con una pareja protagonista realmente inspirada. Una pequeña joyita del humor negro y la crítica social que vale la pena ver y reivindicar. 7/10

Sesión Doble

Patriot Games (Phillip Noyce, 1992)

Tras el éxito de esa pedazo de obra maestra que es La caza del Octubre Rojo (John McTiernan, 1990) los mandamases de la Paramount Pictures vieron que tenían un filón en las adaptaciones a la gran pantalla de las novelas de Tom Clancy basadas en el personaje de Jack Ryan, así que se pusieron manos a la obra en la preproducción de la que es la continuación literaria, Juego de Patriotas, de la que Clancy se apeo debido a los numerosos cambios entre la novela y el guion.
La idea era contar con Alec Baldwin como protagonista ya que fue quien interpreto a Ryan en la anterior película pero debido al retraso de la producción este se encontraba actuando en Broadway con la adaptación teatral de Un tranvía llamado deseo y tuvo que declinar la oferta, debido a este imprevisto los productores llamaron a Harrison Ford, que casualmente fue el primer elegido para interpretar a Ryan en La caza del Octubre Rojo, papel que rechazo porque según él la película estaba más centrada en el personaje de Marco Ramius (Sean Connery) que en el suyo. John McTiernan (que tras el éxito de "la Caza..." quiso adaptar junto a Baldwin la novela Peligro Inminente no pudo ya que los productores habían comprado los derechos de Juego de Patriotas y no de "Peligro..."), tampoco repitió en la dirección ya que se encontraba en fase de preproducción de Los últimos días del edén (1992) y el elegido para sustituirle fue el Australiano Phillip Noyce que venía de rodar películas como Calma Total (1988) o Furia Ciega (1989) y que más tarde volvió a la franquicia con Peligro Inminente (1994).
La película se rodo entre Virginia (donde por primera vez en una película se rodo en los cuarteles de la CIA), Maryland, California y Londres (Reino Unido), tuvo un presupuesto de 45 millones de dólares y recaudo 178 a nivel mundial. Cuenta con una banda sonora compuesta por James Horner, autor de innumerables bandas sonoras entre las que destacan Limite 48 Horas (Walter Hill, 1983), El nombre de la rosa (Jean-Jacques Annaud, 1986), Aliens, el regreso (James Cameron, 1986), Danko: calor rojo (Walter Hill, 1988), Willow (Ron Howard, 1988), Leyendas de pasión (Edward Zwick, 1994), Braveheart (Mel Gibson, 1995), Titanic (James Cameron, 1997) o Avatar (James Cameron, 2009) y está protagonizada en sus principales papeles por Harrison Ford (cuando partía la pana), la elegante Anne Archer (como su fiel y abnegada esposa Cathy), Patrick Bergin, Sean Bean y Polly Walker (ejerciendo de villanos de turno), Richard Harris (el vocero del IRA), James Earl Jones (jefazo de la CIA) y Samuel L. Jackson (compiyogui de Ryan).
Y ¿que nos ofrece esta peli? Pues un thriller de los de antes, de los que molaban, de cuando la máxima expresión de la tecnología era una jodida pantalla de ordenador con polígonos cutre salchicheros, una peli de esas en las que nada más darle al play y ver los títulos de crédito mientras suena la banda sonora te atrapa.
Jack Ryan (Harrison Ford) es un ex agente de la CIA (analista para ser más exactos) que se encuentra en Londres junto a su esposa Cathy (Anne Archer) y su hija Sally (Thora Birch) dando unas conferencias ya que ahora ejerce como profesor. Pues bien, tras acabar una de estas aburridas charlas, Jack se dirige al encuentro de su querida familia para hacer un poco de turismo, pero mira tú por dónde que se ve envuelto en medio de un atentado terrorista perpetrado por unos miembros del IRA en contra de un miembro de la familia real británica, Lord William Holmes (James Fox). Jack, que es un puto hombre hecho y derecho interviene frustrando el atentado y eliminando de paso a alguno de los terroristas, entre los que esta Paddy Miller (Karl Hayden). Su hermano, Sean Miller (Sean Bean) es detenido y condenado a prisión, pero durante el traslado es rescatado por sus compinches del IRA. A partir de ese momento Sean, pese a que su superior en la unidad no está de acuerdo con él, clamara venganza contra Jack y su familia por la muerte de su hermano. Pero claro, estamos hablando de Harrison Ford en su plenitud como héroe americano y donde las dan las toman, así que por mucho que hostiguen a su familia Ryan utilizara su inteligencia -que para eso es ex agente de la CIA- y se dedicara en cuerpo y alma a eliminar al comando terrorista.
La primera vez que la vi en pantalla grande me encanto y a día de hoy me sigue funcionando a las mil maravillas y me sigue pareciendo un thriller de acción cojonudo. Y para terminar no querría olvidarme de la presencia de Brenda James, actriz de corto recorrido cinematográfico (para mi desgracia) pero de la cual me enamoro cada vez que la vuelvo a ver en esta peli. 8/10

Toy Soldiers (Daniel Petrie Jr, 1991)

Aquí traigo otro clásico de mis tiempos mozos, la ficha de esta peli en el videoclub debía de estar petada con mi numero de socio hasta que por fin la pude grabar cuando la dieron en Telecinco, supongo que en el mítico "Cine 5 Estrellas", y ya me la metí en vena sin necesidad de gastarme la paga en ella. Madrugada, pizza y Operación Soldados de Juguete, mejor plan imposible.
En fin, estamos ante una peli de acción hecha para la chavalería noventera dirigida por Daniel Petrie Jr., protagonizada por los míticos Sean Astin -el Mickey de Los Goonies-, Wil Wheaton -Gordie en Cuenta Conmigo-, Louis Gossett Jr, -Ese Chappie de Águila de Acero-, Andrew Divoff -el hijoputa de 48 Horas Mas y maléfico Djinn en Wishmaster- y el bueno de Denhom Elliott -Marcus Brody en En busca del arca perdida-.
El argumento es muy ochentero, si, ya sé que es del 91, pero es que los ochenta llegaron hasta mediados de los noventa. El narcotraficante Colombiano Enrique Cali va a ser extraditado a los Estados Unidos, así que su hijo Luis (Andrew Divoff), un hijoperra de gatillo fácil asalta por la fuerza el palacio de justicia de la ciudad de Barranquilla (Colombia) para presionar al gobierno de su país para evitar la extradición, pero el plan se va al traste ya que ven en un televisor que el padre ya está en suelo americano así que tras montar una escabechina huyen del palacio de justicia.
Aquí la peli da un salto para llevarnos a los Estados Unidos, concretamente a la escuela Regis, un internado para hombres con mucha tradición y prestigio a donde van a parar los estudiantes "rebeldes" de las mejores y adineradas familias del país. Dicha escuela está presidida por El Director (Denhom Elliott) y dirigida por el Decano Parker (Louis Gossett Jr.) y en ella estudian un grupillo de coleguitas formado por Billy Tepper (Sean Astin), Joey Trotta (Wil Wheaton), Snuffy (Keith Coogan), Ricardo Montoya (George Pérez) y Hank Giles (T.E. Russell), todos de padres pudientes y rechazados o expulsados de otras escuelas que en su tiempo libre se dedican a hacer putadillas por el colegio, beber a escondidas o llamar a teléfonos eróticos pinchando la línea de la escuela. Cierto día la policía se planta en el internado para llevarse a uno de los chicos ya que su padre es el juez del caso "Cali" y por seguridad tras lo sucedido en Barranquilla lo van a meter en el programa de protección de testigos. Al mismo tiempo que esto sucede, Luis Cali y sus compinches cruzan la frontera y se dirigen a la escuela Regis para secuestrar a dicho chaval y chantajear al gobierno americano, pero al llegar se dan cuenta de que este ya no esta allí, así que tras ver los expedientes de los alumnos y darse cuenta de que todos provienen de familias poderosas deciden tomar el internado y a los chavales como rehenes para seguir con sus planes de chantaje. Pero claro, estos gilipollas no tienen ni puta idea de que Billy y sus colegas son unos inadaptados con un par de cojones y que no piensan quedarse de manos cruzadas mientras les joden la vida unos terroristas de mierda.
Así arranca este peliculón olvidado por unos y defenestrado por otros pero que a mí me parece cojonudamente entretenido con sus dosis de acción (juvenil) y su drama, que lo tiene y bastante guapo. Que tiene muchos fallos, puede ser, que no deja de ser una tontería, también. Pero aun y con esas se deja ver de puta madre, no aburre, es dinámica y siempre pasan cosas en pantalla.
La película se rodo entre Virginia y Texas y tuvo un presupuesto de 10 millones de dólares, recaudando en Estados Unidos unos 15, lo que la convierte no en un fracaso de taquilla, pero casi. 7/10

Sesión Doble

Choses Secretes (Jean-Claude Brisseau, 2002)

Drama erótico que pretende pasar por thriller de alto voltaje en el que dos mujeres son despedidas la misma noche del cabaret dónde trabajan. Nathalie (Coralie Revel ), estríper, introducirá a la cándida e ingenua Sandrine (Sabrina Seyvecou) en el mundo de la sensualidad y sexualidad para sacar provecho de sus armas femeninas y aprovecharse de los hombres.
A ver, la película arranca de manera interesante, morbosa y sensual, pero acaba convirtiéndose en una tragedia griega demasiado pretenciosa y vulgarmente filosófica. Podría haber dado mucho más de si de no habérsele ido la olla al guionista en su tercio final, pero bueno, aun así es interesante de ver y se puede soportar gracias a la sensualidad y el morbo que despiertan tanto Coralie Revel, como Sabrina Seyvecou y Blandine Bury. 4/10

Lo Mejor: Coralie Revel, pura sensualidad.

Lo Peor: Su disparate final

Operation Crossbow (Michael Anderson, 1965)

Objetivamente no la pondría en un top de películas bélicas, pero siempre tendrá un lugar preferencial en mi corazón cinéfilo ya que de pequeñajo me la tragaba una y otra vez sin parar. Vista hoy en día me sigue gustando como entonces, sobretodo su primera hora y media con ese tono pausado, cargado de suspense en el que se plantea la misión y se infiltran en territorio enemigo. Toda la parte que transcurre en el hotel me parece oro y a mi gusto debería extenderse muchísimo más porque a partir de ahí ya llega el inevitable subidón en el que el prota se pone en modo héroe y pese a que mola, se me viene un poco abajo todo el trabajo hecho hasta entonces. Aun así, me sigue pareciendo una gran película que además de entretener toca un tema poco tratado en películas ambientadas durante la II Guerra Mundial como es el de los cohetes V-2 de los Nazis y además tiene un titulazo que mola mil, joder. 7/10

Lo Mejor: Toda su primera parte.

Lo Peor: Su final se desmarca demasiado de lo visto hasta entonces.