El Cartero Siempre Llama Dos Veces (Bob Rafelson, 1981)

 

Cuarta adaptación de la novela homónima de James M. Cain escrita en 1934 tras la francesa Le dernier tournant (Pierre Chenal, 1939), la italiana Obsesion (Luchino Visconti, 1943) y la clásica de 1946 dirigida por Tay Garnett y protagonizada por Lana Turner y John Garfield, convirtiéndose en la segunda versión rodada en ingles y en la primera rodada en color.
De sacar adelante el proyecto se encargaron tres productoras; Lorimar Film Entertainment, productora que venia de producir Bienvenido Mr. Chance (Hal Ashby, 1979) y A la caza (William Friedkin, 1980) con Al Pacino y que mas tarde produciría algunos exitazos del calibre de Evasión o victoria (John Huston, 1981), Oficial y caballero (Taylor Hackford, 1982) y Las amistades peligrosas (Stephen Frears, 1988) antes de ser comprada por Warner Brothers Entertainment; Northstar International, productora fundada para producir Corazones de segunda mano de Hal Ashby un año antes y que tras esta “El cartero...” tan solo firmaría Intento de fuga un año después y también con Ashby a los mandos y CIP Filmproduktion GmbH, productora detrás de películas como Hair (Milos Forman, 1979), Yanquis (John Schlesinger, 1979), La formula (John G. Avildsen, 1980) o Lili Marleen (Rainer Werner Fassbinder, 1981).
Para encargarse de la adaptación de la novela de Cain a libreto cinematográfico, los productores contrataron al dramaturgo David Mamet, cuya única experiencia en el medio había sido la escritura un par de años antes del guion de una Tv Movie llamada A life in the theatre (Kirk Browning & Gerald Gutierrez, 1979), convirtiéndose esta película en su debut en la escritura de guiones para cine, al cual seguirían autenticas obras maestras como Veredicto final (Sidney Lumet, 1982), Los intocables de Eliot Ness (Brian De Palma, 1987), Glengarry Glen Ross (James Foley, 1992), Hoffa (Danny DeVito, 1992), la infravalorada El desafío (Lee Tamahori, 1997), Ronin (John Frankenheimer, 1998), El ultimo golpe (2001) y Cinturón rojo (2008) ambas dirigidas por el mismo.
El guion nos presentaba a Frank, un buscavidas y maleante de poca monta que durante un viaje a ninguna parte hace una parada en un restaurante de carretera de la California rural y por avatares del destino acaba quedándose a trabajar allí como mecánico. El restaurante esta regentado por Nick, un inmigrante griego de avanzada edad y su joven y bella mujer Cora, que esta cansada de su situación, casada con un hombre al que no quiere y trabajando en un local del que quisiera ser propietaria para poder hacerle mejoras.
Al poco tiempo, Frank y Cora inician una tumultuosa relación a espaldas del marido de esta y juntos planean asesinar a Nick para comenzar una nueva vida juntos.
Una vez con el guion finiquitado era hora de buscar a un director que pudiese llevarlo a buen puerto y el elegido fue Bob Rafelson, uno de los llamados “Fundadores del nuevo Hollywood”, que había debutado tras las cámaras en 1966 en la popular serie de televisión “Los Monkees” a la cual seguiría su debut en cine, también con los Monkees en Head (1968) escrita junto a Jack Nicholson (que también tiene un pequeño papel sin acreditar), Mi vida es mi vida (1970) y El rey de Marvin Gardens (1972), ambas, ahora si, protagonizadas por Jack Nicholson y Músculos de acero (1976) con Jeff Bridges, Sally Field y Arnold Schwarzenegger.
Con Rafelson subido al barco era hora de encontrar a los actores perfectos para dar vida a Frank y Cora, o mas bien para dar vida a Cora ya que con lo bien que se llevaban Rafelson y Nicholson la elección para meterse en la piel de Frank era obvia.
Nicholson a esas alturas ya era un experimentado y reconocido actor con cuatro nominaciones al Oscar por Easy Rider (Dennis Hopper, 1969); Mi vida es mi vida, dirigido por el propio Rafelson; El ultimo deber (Hal Ashby, 1973) y Chinatown (Roman Polanski, 1974), lo había ganado en 1975 por Alguien voló sobre el nido del cuco de Milos Forman, estaba recién salido del rodaje de El resplandor (Stanley Kubrick, 1980) y podía compaginar las fechas de rodaje con Rojos (Warren Beatty, 1981) que también se produciría ese año, así que dicho y hecho. Nicholson se subía a bordo.
Encontrar a Cora fue mas complicado y del trabajo se encargó Terry Liebling, director de casting que había trabajado en producciones del calibre de Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979), El imperio contraataca (Irvin Kershner, 1980) o Brubaker (Stuart Rosenberg, 1980) y se le hicieron pruebas a Kim Bassinger, actriz que por aquel entonces era poco conocida ya que unicamente se dedicaba a hacer personajes esporádicos en series como El hombre invisible (1976), Los ángeles de Charlie (1976), Dog and Cat (1977) o De aquí a la eternidad (1980) y que fue desestimada por Rafelson, petandolo cinco años después con su papel de Elizabeth en Nueve semanas y media (Adrian Lyne, 1986). También se presento a la prueba Lindsay Crouse, que por aquel entonces estaba casada con David Mamet, venia de rodar Todos los hombres del presidente (Alan J. Pakula, 1976), El castañazo (George Roy Hill, 1977) y Al otro lado de la noticia (Joan Micklin Silver, 1977) y estaba considerada como una de las nuevas promesas a tener en cuenta, pero por lo que fuese no cuajo; otra actriz a la que se le ofreció el papel fue a Meryl Streep, que estaba on fire gracias a sus interpretaciones en Julia (Fred Zinnemann, 1977), la mini serie Holocausto (1978), El cazador (Michael Cimino, 1978), Manhattan (Woody Allen, 1979) y especialmente Kramer contra Kramer (Robert Benton, 1979), pero rechazó el papel debido a su alta carga erótica y prefirió embarcarse en la producción de La mujer del teniente francés (Karel Reisz, 1981) junto a Jeremy Irons y, fue en ese preciso momento cuando entró en escena Jessica Lange, que tras su debut en King Kong (John Guillermin, 1976) y su paso por All that jazz (Bob Fosse, 1979) y Como combatir el alto coste de la vida (Robert Scheerer, 1980) se estaba labrando un buen y reconocido nombre en la escena y por lo visto dejo boquiabierto al propio Bob Rafleson durante la prueba ya que según el mismo cuenta escribió su nombre en un papel y lo puso dentro de un sobre cerrado y meses después, cuando los productores ya la habían elegido para interpretar a Cora le dio el sobre a Lange para que esta supiera que era su favorita para el papel.
De los personajes secundarios se hicieron cargo John Colicos, actor canadiense de gran recorrido tanto en cine como en televisión, que venia de rodar el clásico de terror Al final de la escalera (Peter Medak, 1980) y el thriller Phobia (John Huston, 1980) que se encargaría de dar vida al marido de Cora y futura victima de la pareja Nick, papel para el que también se presento el director y actor Elia Kazan; Angelica Huston, recién salida de El corsario escarlata (James Goldstone, 1976) y El ultimo magnate (Elia Kazan, 1976), que tendría un pequeño papel como interés amoroso de Frank; Michael Lerner, otro clasico visto en infinidad de peliculas y series y al que siempre recordare por encarnar al alcaide cabrón en la entretenidisima Escape de Absolom (Martin Campbell, 1994) que daría vida al abogado de la pareja y por ultimo John P. Ryan, que había trabajado nueve años antes con Rafelson en El rey de Marvin Gardens, que para mi siempre sera el hijo de puta de Ranken en El tren del infierno (Andrey Konchalovskiy, 1985) y que aquí interpreta a Kennedy, ayudante del abogado y extorsionador en sus ratos libres.
Terminado el cast, pasemos a aspectos mas técnicos. Para hacerse cargo de la fotografía se requirieron los servicios del sueco Sven Nykvist, considerado como uno de los mejores en su campo y colaborador habitual del director Ingmar Bergman desde que trabajasen juntos en Noche de circo (1953) y gracias al que ganaría sus dos Oscar por Gritos y susurros (1972) y Fanny y Alexander (1982) y que aquí se limita a trabajar del modo mas simple y natural posible, como solía hacer en casi todas sus películas, y resaltar los tonos naturales de la piel del rostro humano de modo que la emoción de la escena se pudiera representar en el rostro sin que la luz fuese intrusiva.
El encargado de componer la banda sonora de la película fue Michael Small, compositor que se había hecho cargo de las partituras de auténticos peliculones como Klute (Alan J. Pakula, 1971) con la bellisima Jane Fonda; El ultimo testigo (Alan J. Pakula, 1974), La noche se mueve (Arthur Penn, 1975), Marathon Man (John Schlesinger, 1976) o Driver (Walter Hill, 1978) y que aquí elabora un trabajo perfecto para ambientar la época en la que sucede la película.
El rodaje tuvo lugar entre enero y mayo de 1980 entre Goleta y Santa Barbara (California), según las notas de producción, el set de Twin Oaks (El restaurante y gasolinera) se construyo en un tramo remoto de la carretera de San Marcos, cerca de Santa Barbara y la película se proyecto fuera de competición en el Festival de Cine de Cannes de 1981 obteniendo un mal recibimiento por gran parte de la critica especializada, que sintieron que esta nueva versión era un autentico desperdicio, criticando también que el final era “muy débil” en comparación con la original, que el significado del titulo no se explicaba en la película, lo que generaría confusión entre los espectadores y que pese a contener mas escenas de sexo que la película anterior, era asexuada en comparación con la versión de Tay Garnett y eso que corrieron ríos de tinta con la famosa escena de la cocina entre Nicholson y Lange, la química entre los dos era de tal calibre (Nicholson admitió que estaba enamorado de Lange) que muchos espectadores creyeron que era sexo real y no simulado, cosa que rápidamente fue negada por los protagonistas.
Y, para finalizar y como curiosidad decir que esta película inicio una corriente de thrillers eróticos a la que se sumarían Fuego en el cuerpo (Lawrence Kasdan, 1981), Atracción fatal (Adrian Lyne, 1987) o Instinto básico (Paul Verhoeven, 1992) entre muchas otras. 6/10

Red Rock West (John Dahl, 1993)

Cuatro años después de su interesantísimo debut cinematográfico con La muerte golpea dos veces (1989), el director John Dahl nos volvía a ofrecer una trama con venganzas, intentos de asesinato, la obligada Femme fatale y giros de guion variados típicos del genero con esta Red Rock West. Sencilla y con un diseño de producción austero, pero muy entretenido vehículo neonoir, que sin llegar a la altura de su siguiente y grandiosa película (¡Ay, Linda Fiorentino, ay!) La última seducción (1994) dejaba muy buen regusto de boca.
La película, producida por Propaganda Films y PolyGram Filmed Pictures contó con un presupuesto de 8 millones de dólares y su recaudación a nivel mundial fue de unos irrisorios y escasos 2,5 millones, a los que si les quitas el porcentaje para los exhibidores te da como resultado una birria que te da para pipas y poco más. Columbia Tri-Star se había hecho con los derechos de distribución para el mercado americano de la película por un montante de 2.5 millones de dólares, dejando la distribución internacional a cargo de Manifesto Films, empresa subsidiaria de PolyGram, pero tras un nefasto test screen tras el que incluso Peter Graves, consultor independiente que trabajaba para el departamento de marketing de PolyGram no sabía cómo cojones vender la película ya que según sus propias palabras; “la película no entraba en ningún target vendible ya que a estas alturas de la película (nunca mejor dicho) nadie quería ver un western neonoir” tanto Propaganda, como PolyGram y Columbia se pusieron a temblar ante la debacle que se les avecinaba. Uno de los productores propuso mandar la película al festival de Sundance, pero los responsables del estudio le dijeron que ni de coña, ya que la película no era festivalera y los críticos la arrastrarían por el suelo. Finalmente Columbia decidió vender los derechos a la televisión por cable, más concretamente a la HBO y estos la emitieron durante el otoño de 1993 la friolera de siete veces para ver si la gente la veía a la fuerza y podían sacar algo de ella, pero nada, que no había manera de que arrancase la cosa.
Pese a ser un fracaso de taquilla en los Estados Unidos, la película se estreno con cierto éxito en Alemania, Francia e Inglaterra durante el verano de 1993. Piers Handling, director del Festival Internacional de Cine de Toronto vio la película en Paris y decidió emitirla en su festival en septiembre de ese año. Bill Banning, propietario del Roxie Cinema de San Francisco se intereso por la película tras verla en Toronto e intento hacerse con los derechos, pero al haberse estrenado ya en HBO y estar preparada su salida en video fue un proceso bastante arduo encontrar al propietario de dichos derechos, así que no fue hasta Enero de 1994 cuando por fin Banning pudo estrenar la película en su cine y tras un pequeño pero considerable éxito de taquilla la película se proyecto en ocho cines mas de San Francisco y de ahí paso a estrenarse en Los Ángeles y Nueva York. La película fue un fracaso de taquilla para el estudio, pero seguramente sin esta maniobra, tanto por parte de Piers Handling y luego de Bill Banning, la película, además de ser un sonoro fracaso, no habría recaudado ni un solo céntimo más allá de su venta a HBO.
La película contó con un guion del propio John Dahl, que ya había ejercido de escritor previamente para Nigel Dick en su película de 1987, Precio a tu cabeza y en su debut cinematográfico, La muerte golpea dos veces y que para esta Red Rock West colaboro en la escritura su hermano Rick, que tras esta aventura en el mundo cinematográfico tan solo volvió a participar como guionista en un capítulo de la serie Terror en estado puro de 2009 y en una película de Serie B llamada The Midnight Game (2013). Para la banda sonora se contrataron los servicios de William Olvis, que mas allá de trabajar en infinidad de Tv Movies solo cabe destacar su participación en La muerte golpea dos veces y su colaboración con la canción Soul of the Land en la banda sonora de la magnífica película dirigida por Andrew Davis e interpretada por Gene Hackman, Tommy Lee Jones y Joanna Cassidy, A la caza del lobo rojo de 1989. Fue rodada íntegramente en Arizona pese a que toda la trama se sitúa en el estado de Wyoming y para los papeles principales se contrato a Dennis Hopper, para el que Dahl pensó el papel del sheriff corrupto Wayne, pero Hopper acepto trabajar en la película con la condición de interpretar al asesino a suelo Lyle, cosa que no gusto a los productores pero que decidieron aceptar. Antes de contratar a Nicolas Cage como protagonista, Dennis Hopper le sugirió a John Dahl a Kris Kristofferson para el papel ya que eran buenos amigos desde los tiempos de The last movie (Robert Altman, 1971) y últimamente andaba arrastrándose en papeles para Tv Movies, pero Kristofferson declino el trabajo sin tan siquiera haber leído el guion ya que según el tenia unos horarios muy apretados. Al final el elegido fue Nicolas Cage, que venía de trabajar en películas como Corazón Salvaje (David Lynch, 1990), en la infravalorada y divertidisima Pájaros de fuego (David Green, 1990) o en la entretenida pero olvidada Atrapen al ladrón ¿Al blanco o al negro? (E. Max Frye, 1993) junto por aquel entonces un desconocido (pero a punto de petarlo) Samuel L. Jackson y que acepto el papel única y exclusivamente por la insistencia de su famoso tío Francis Ford Coppola, declarado admirador de la primera película de Dahl, La muerte golpea dos veces.
Para el papel de Femme Fatale y coprotagonista del film se eligió a la guapísima Lara Flynn Boyle, que venía de participar en películas como Poltergeist III (Gary Sherman, 1988), El Principiante (Clint Eastwood, 1990), El imperio del mal (Michael Karbelnikoff, 1991) o Wayne´s World 2: ¡Que desparrame! (Penelope Spheeris, 1992) y que más tarde me enamoraría perdidamente tanto en Afterglow (Alan Rudolph, 1997) como en Happiness (Todd Solondz, 1998). Y, finalmente pero no menos importante se contrataron los servicios del mítico J.T. Walsh para interpretar al codicioso hijo de puta de Wayne. Walsh, un secundario de autentico lujo (y especialista en este tipo de papeles) y de los que ya no hay había trabajado en infinidad de proyectos previamente entre los que yo destacaría; Good Morning, Vietnam (Barry Levinson, 1987), Conexión Tequila (Robert Towne, 1988), Los timadores (Stephen Frears, 1990), La casa Rusia (Fred Schepisi, 1990), Llamaradas (Ron Howard, 1991), Algunos hombres buenos (Rob Reiner, 1992) o En el corazón de la jungla (Luis Llosa, 1993).
En resumen, si te va el cine negro y más concretamente el neonoir americano, las películas con pocos (pero carismáticos) personajes y las historias que suceden en pequeños pueblos alejados de las carreteras estatales, dale una oportunidad porque, sin ser una grandísima película, si que te hará pasar un entretenido rato. 6/10

Body Double (1984)

Título Original: Body Double

Título Traducido: Doble Cuerpo

Año: 1984

Duración: 110 Minutos

País: Estados Unidos

Director: Brian De Palma

Guion: Robert J. Avrech, Brian De Palma

Música: Pino Donaggio

Fotografía: Stephen H. Burum

Reparto: Craig Wasson, Melanie Griffith, Gregg Henry, Deborah Shelton, Dennis Franz, Guy Boyd, Rebecca Stanley, Barbara Crampton.

Productora: Columbia Pictures

Género: Intriga / Thriller

Sinopsis: Jake, un actor de películas de terror, descubre a su mujer con su amante. Tras abandonarla, se instala en una lujoso apartamento que le ha dejado un compañero. Desde allí ve cómo cada noche una mujer desconocida monta un pequeño y morboso espéctaculo en su vivienda.

Peliculaza y frikada total dirigida por el grandioso Brian De Palma en 1984. Creo que los de Columbia Pictures no sabían lo que se hacían cuando le dieron carta blanca a De Palma tras el éxito de El precio del poder (1983) así que este, tras ver el cheque en blanco debió pensar en hacer la barrabasada más grande que se le paso por la cabeza y así fue como perpetro esta oda a lo kitsch, la horterada ochentera versión culebrón y el desfase y la manipulación total. La película cuenta con una maravillosa y adictiva a la par que tronada banda sonora de Pino Donaggio, una fotografía sorprendentemente hipnótica de Stephen H. Burum, está protagonizada por Craig Wasson (que lo borda como actor cutre y sin futuro), Gregg Henry, Melanie Griffith, Dennis Franz, Guy Boyd, David Haskell y la atractiva Deborah Shelton y cuenta con -para mí- una de las mejores caratulas de la jodida historia. 

Vaya por delante que Doble Cuerpo es una película extraña de cojones, mas allá del  manido homenaje a las películas de Hitchcock y del virtuosismo con la cámara típico del cine de De Palma, hay algo en el ambiente y la narración, en sus caricaturescos personajes, en la sobreactuación constante y en el diseño de producción, que la hace, por lo menos para mí, totalmente adictiva. Hacía años que no volvía a ella y me ha vuelto a enamorar como la primera vez. 

Jake Scully (Craig Wasson) es un actorzuelo de películas de serie B, que un día y debido a una claustrofobia congénita es despedido de su última película en la que encarnaba a un vampiro de poca monta. Al llegar a casa se encuentra a su mujer dándole al fornicio con un tipejo, pero como la casa es de ella, al bueno de Jake le toca abandonar el hogar y de paso arrastrarse aun mas. Hecho polvo, Jake acude a varios castings para ver si por lo menos le cae algún trabajito y así es como mediante un amigo -actor también- en común conoce a Sam Bouchard (Gregg Henry), otro actorzuelo que está cuidando el casoplon con forma de platillo volante de un amigo y como tiene un rodaje en Seattle le ofrece a Jake, que busca casa desesperadamente, que cuide el de la casa mientras él está fuera de la ciudad. Antes de dejar solo a Jake en el pedazo de casa, Sam le da un último incentivo enseñándole por un telescopio que hay en la ventana a una vecinita que cada medianoche se monta un show erótico de aúpa y a Jake, que es un voyeur empedernido se le cae la baba con solo mirarla. Así es como noche tras noche Jake observa detenidamente como su vecina se masturba mientras el comienza a obsesionarse con ella hasta que cierta noche se da cuenta de que no es el único que la observa, un hombre de extraña apariencia también anda al acecho de la sensual joven. 

Así arranca esta bizarrada, manipuladora y maravillosa película de suspense sobre las falsas apariencias que inicialmente el director no tenía previsto dirigir. De Palma había escrito un tratamiento de la historia y tenía la idea de ser sencillamente su productor y cederle el puesto de director a Ken Wiederhorn, cuya película Los ojos de un extraño (1981) le había gustado mucho. Wiederhorn y el guionista Robert J. Avrech desarrollaron el guión a partir de las ideas de De Palma, pero al final el proyecto no cuajo. Columbia Pictures le comunicó a De Palma que sólo producirían la película si él la dirigía. De modo que finalmente De Palma ocupó la silla de director. Lo primero que hizo el director fue rescribir el guión de Avrech. Cambio el escenario de Nueva York a California y modificó el personaje de Holly Curvas. Este personaje fue el que conllevó más problemas a la hora de buscar una actriz que lo interpretase. Como había desnudos y escenas de sexo, De Palma pensó que tal vez podría contratar a una actriz porno profesional. La elegida fue Annette Haven, una conocida pornstar. De Palma rescribió completamente el personaje de Holly Curvas inspirándose en Annette. Pero al final se decantó por Melanie Griffith, por causa de la falta de credibilidad de la interpretación de Annette y a partir de ahí todo fue rodado en una película que para los que nos gusta el cine dentro del cine esta rellena de referencias cinematográficas, dobles de cuerpo, rodajes, actores, castings, el mundo del porno, etc. Pero todo hecho con humor y sarcasmo, las dobles de cuerpo son utilizadas en asesinatos, los actores trabajan sólo en series b y la mayor parte del cine que se ve en la película se adentra en el pornográfico, incluso el protagonista pasa de trabajar en cine de serie b a trabajar en una película porno. Del mismo modo, Brian De Palma llena toda la película de todo tipo de recursos visuales, que potencian aun más, esa ilusión de mundo cinematográfico, como planos secuencia, cromas, planos circulares de 360º, flashbacks, travellings, etc. El film gana puntos a partir del momento en que descubrimos que todo se trata de un relato de suspense. Es increíble lo entretenido que llega a ser su visionado, como poco a poco, al igual que pasa con su protagonista, nos dejamos atrapar por la historia, y como la película nos hace cómplices del voyeurismo de Jake, porque en el fondo, el espectador es otro voyeur más, alguien que observa lo que otros (unos actores) hacen, estableciéndose un paralelismo inmediato con el protagonista, ya que todos los personajes de la película son actores. A todo ello ayuda la portentosa puesta en escena de Brian De Palma, con multitud de secuencias que se quedan grabadas a fuego tras verlas. Peliculón.

9/10